La Scena Musicale

Saturday, 26 January 2008

Canadian Heritage Proposes Merger of CMF and PAP

On Jan. 25, the Department of Canadian Heritage (DCH) announced a consultation process to rehaul the way they fund Canadian magazines, which will result in the merging of the Canada Magazine Fund (CMF) and the Publication Assistance Program (PAP) to form the new Canada Periodical Fund.

Of note to the Arts and Literature community, according to a post on the Canadian Magazines blog, the proposal will eliminate the $1 million Support for Arts and Literary Magazines.

Also of interest are two aspects of the proposal:

Business flexibility for publishers: Canada Post's decision to withdraw from the PAP offers the opportunity to open funding to other methods of distribution, thereby putting more strategic control in the hands of publishers.

Transitions to digital technology: The proposed approach offers opportunities to address changes in the way Canadians are consuming news and entertainment: through joint initiatives on industry-wide projects and by exploring the possibility of opening funding to new forms of publications or to online content produced by print publications.

The first item seems to open the door for predominately controlled circulation arts and literary magazines such as The Music Scene Ontario and La Scena Musicale to regain funding. Recall that in 2003, the CMF cut off funding to controlled circulation magazines when it reduced its budget by half, affecting several arts titles including La Scena Musicale.

To participate in the consultation, DCH has issued 10 questions for discussion.
The deadline for submissions is April 25, 2008.

Discussions on other blogs:
> Canadian Magazines
> The Shoestring
> Masthead Online [subscription required]

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Today's Musician Birthday: January 26

Born on January 26:

1945 - Jacqueline du Pré, Oxford England, cellist

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Documentary about Jacqueline du Pré


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Today's Musician Birthday: January 25

Born on January 25:

1913 - Witold Lutoslawski, Warsaw Poland, composer

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An excerpt from the Finale of Witold Lutoslawski's Cello Concerto, performed by Yo-Yo Ma at the opening concerts of Walt Disney Concert Hall in October 2003. Los Angeles Philharmonic; conductor, Esa-Pekka Salonen

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Friday, 25 January 2008

Prokofiev Orchestral Works

Symphony No. 5/Ode to the End of the War
Russian National Orchestra
Vladimir Jurowski, dir.

Pentatone Classics
PTC 5186 083 (57 m 7 s)
***** $$$$

Once again, chalk one up for the young guns: the new generation of conductors is truly yielding some remarkable talents. Russian Vladimir Jurowski, 35, has become a household name in Britain, where he holds directorships with the London Philharmonic and the Glyndebourne Opera, in addition to his work with noted period instrument ensemble, The Orchestra of the Age of Enlightenment. Even with all this activity in the UK, he still finds time to return home and visit the Russian National Orchestra in his capacity as Principal Guest Conductor and record treasures of the repertoire. The latest? Prokofiev's immortal Symphony No. 5. Our expectations of such a recording should be high, since the RNO has proven itself over recent years as an ensemble worthy of significant international attention and, after all, one expects the national orchestra to be at the top of its game to play the nation's gems. Somehow romantic yet economical, grandiose yet with the intimate ambience of chamber music, Jurowski and the RNO sculpt a remarkable interpretation of this epic warhorse. Jurowski stays away from any sense of the mechanical rigidity so often heard in other versions, while razor-sharp technique and disciplined ensemble playing through all sections of the orchestra make Jurowski's tempo fluctuations seem organic and convincing. What is perhaps most striking about the recording of this symphony, however, is the crystal-clear view it provides of Prokofiev's genius when it comes to orchestration. This is critical, as many other recordings of the Fifth neglect textures and orchestral colours rarely heard outside the composer's oeuvre: full marks to both the musicians and the recording team at PentaTone. A fresh and insightful approach to a standard, this recording is highly recommended for veterans and newcomers alike. The bonus track is Ode to the End of the War, a seldom-heard 1945 work written for a truly bizarre array of instruments (wind orchestra with 8 harps, 4 pianos, percussion, and 8 double basses). While the title and era of composition might lead one to see it as nothing more than a Soviet composer's duty to appease Stalin and the party, it is truly a great piece, no doubt neglected simply due to its unconventional ensemble roster.

-Graham Lord

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Don Carlos

Ramon Vargas, Iano Tamar, Nadja Michael, Bo Skovhus, Alastair Miles
Orchestra and Chorus of Wiener Staatsoper, Bertrand De Billy, dir.

TDK DVWW-OPCARLOS (2 DVDs, 4h 7m)
*** $$$$$

Verdi originally conceived Don Carlos as a French Grand Opera in five acts plus ballet. It premiered at the Paris Opera in March 1867. In 1866, Verdi had already made a number of cuts because of its length, and further cuts were authorized during rehearsals. These included parts of Act One and several extended duets of the principals. This being a Grand Opera, the ballet was retained. Therefore, this monumental work was not performed in its complete form for the premiere. An Italian translation, with further changes, was first performed as Don Carlo later at Covent Garden, followed by a complete version in Italian given in Bologna. Today, the Italian version is the more popular, but occasionally it is sung in French, with the Fontainebleau Scene tagged on. The original uncut five-act French version with ballet, lasting over five hours, is hardly ever revived. This DVD is unique in that it is said to be note-complete, while the earlier Paris Opera production starring Alagna and Mattila (also available on DVD) is not.

So for Don Carlos purists, this is the version to get - or is it? Originally conceived by Peter Konwitschny for Hamburg, it later travelled to Barcelona and Vienna, where this performance was taped. The set consists of a white box with low doors on all three sides, essentially devoid of props, except for a tiny tree religiously cared for by the Friar. Act Four opens with Philip lying on some bedding on the floor, with Eboli. She stays onstage throughout his "Elle ne m'aime pas" and the subsequent scene with the Grand Inquisitor. These unusual twists are nothing compared to the ballet sequence. There's no dancing, just a comedy routine billed as "Eboli's Dream", in which Eboli and Carlos are married and give a dinner party for Phillip and Elizabeth. Eboli burns the dinner so Carlos calls for take-out from Posa's Pizza, delivered by Rodrigo - I think you get the idea. The nadir is reached during the auto-dafé, which started in the opera house lobby where widescreen TVs were set up, complete with commentator and paparazzi. Heretics were brought in through the front entrance and led onstage, as were Philip, Elizabeth, Eboli, and Rodrigo. Is this Verdi? I don't think so. As you can imagine, the audience greeted such goings-on with vociferous booing mixed in with applause. Also conspicuously absent were final solo curtain calls, likely because of boo-birds making their feelings known.

It is a shame that the stage direction hijacked an essentially fine performance. The orchestra under the stylish baton of Bertrand de Billy sounds great. Honours go to Ramon Vargas as a vocally impeccable Carlos. Bass Alistair Miles has all the stately bearing necessary for Philip. The other principals are also quite good. Georgian soprano Iano Tamar impresses with her dark, rich voice, lacking only the necessary high piano. Soprano Nadja Michael pushes her slender voice fearlessly as a glamorous Eboli - her timbre in this mezzo role is lighter than Elizabeth's! Baritone Bo Skovhus (Rodrigo) is almost unrecognizable in his getup, and his singing is a little uneven. Only Korean bass Simon Yang falls short vocally and dramatically as the Grand Inquisitor. If there has ever been a DVD release that cries out for a documentary with interviews of the creative team, this is it - I'd love to hear Konwitschny's explanation of his "concept". The verdict? If you are into extreme Regietheater, you will be amused, I am sure. On the other hand, if you don't like staging not intended by the composer, this version is to be avoided.

-Joseph K. So

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Grieg : Peer Gynt Suites, Six Orchestral Songs

Malmö Symphony Orchestra; Bjarte Engeset, dir.

Inger Dam-Jensen, soprano, Palle Knudsen, baryton

Naxos 8.570236 (65 min 45 s)

*** $


On trouvera ailleurs des interprétations plus inspirées des deux Suites tirées de la musique pour scène de Peer Gynt. Sous la baguette d'Engerset, les mélodies s'affadissent et l'atmosphère de légende indispensable, faite de nostalgie et de poésie rêveuse, mais aussi d'une sorte de tendre ironie, n'est guère au rendez-vous. Tout cela finit par ressembler à de la musique de village. Le programme vaut beaucoup plus par les oeuvres chantées qui suivent. Le baryton Palle Knudsen sait mettre en valeur le premier lied tiré de l'opus 21 de Grieg, Quatre Poèmes de la Fille du pêcheur de Bjørnson, et surtout la ballade populaire du Prisonnier de la montagne op. 32 où l'art du compositeur norvégien pour suggérer l'univers nordique est au mieux. La soprano Dam-Jensen, malgré une voix assez belle, convainc moins dans les Six Chants orchestraux EG 177 que Grieg a réunis à partir de diverses oeuvres; on y retrouve entre autres la célèbre Chanson de Solveig et la Berceuse de Solveig tirés de Peer Gynt.

-Alexandre Lazaridès

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Die Zauberflöte

Piotr Beczala (Tamino), Dorothea Röschmann (Pamina), Detlef Roth (Papageno), Matti Salminen (Sarastro), Désirée Rancatore (Reine de la Nuit), Gaële Le Roi (Papagena), Uwe Peper (Monastatos)

Orchestre et Choeurs de l'Opéra national de Paris; Ivan Fischer, dir.
Mise en scène : Benno Besson
TDK DVWW-OPMFP (158 min)
*****$$$$

Une Flûte enchantée...enchanteresse ! On n'a pas assez d'yeux pour apprécier toute la richesse des costumes, toutes les effervescences scéniques. En un tour de main, peut apparaître une jungle luxuriante peuplée d'animaux sauvages. Une autre fois, c'est la Reine de la Nuit qui surgit du sol et s'envole dans les airs, habillée d'une robe démesurée qui meuble toute la scène. Il y a plein de ces trouvailles visuelles qui tiennent de la magie. Côté chant aussi, nous sommes choyés. Le personnage de Pamina est très bien rendu par Röschmann, une mozartienne accomplie - on se remémorera avec plaisir sa Susanna des Noces de Figaro (DVD Arthaus 100 017). Roth insuffle dynamisme et justesse vocale à son Papageno. Rancatore interprète à merveille le fameux air Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen. Salminen, avec sa superbe voix de basse, brille là comme il le fait dans tant d'autres productions DVD...Question mise en scène et tournage, la référence absolue pour cet opéra demeure l'adaptation d'Ingmar Bergman, de 1975 (DVD Criterion 71), mais le célèbre cinéaste n'avait pas la contrainte du direct, et ses chanteurs - crime de lèse-majesté - s'exprimaient en suédois.

-Pierre Demers

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Jupiter String Quartet: Shostakovich and Britten

Shostakovich Quartet No. 3
Britten String Quartet No. 2

Marquis Classics MAR 371 (65 m 55 s)

**** $$$

The Jupiter String Quartet is, on paper, a blue-chip young group with all the right credentials to succeed in this remarkably competitive business of chamber music. This release, its début CD, comes on the heels of a host of prizes and honours: first prize at the 2004 Banff International String Quartet Competition, the Grand Prize at the Fischoff National Chamber Music Competition of the same year, winners of the 2005 Young Concert Artists International Audition, and selection for a residency at Lincoln Center, among others. It's perhaps appropriate, then, that such a youthful ensemble starts off its professional recording career with the innocent and playful strains of the first movement from Shostakovich's Third String Quartet; the uncharacteristic simplicity and jollity of it cannot possibly prepare you for the darker and more ominous moods that come later in the piece. Programmatically, the Shostakovich is well paired on the disc with Britten's Second String Quartet: both pieces were written shortly after WWII and represent the work of two composers who didn't wish to celebrate the Allied victory in music but, rather, chose to come to terms with the devastation of the war through their art. The Jupiters attack both works with terrific panache and maturity. A feeling of elasticity pervades their performance on this recording, as the ensemble is remarkably sensitive to the extremes in mood achieved by these giants of 20th-century composition. In particular, the sustained, quiet intensity of the massive 20-minute finale of the Britten quartet, Chacony, connects one variation to another, keeping the listener in rapt suspense until the rousing, explosive conclusion. Their Shostakovich won't replace my Emerson Quartet recording (what can?) in terms of performance or recording quality, but it is still a convincing and successful interpretation, especially for a first release; clearly, the term "rookie" hardly applies to this ensemble.

-Graham Lord

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Fernandes, Freitas Branco

Extramadura Symphony Orchestra; Jesús Amigo, dir.

Alexandre Da Costa, violon

Atma classique ACD2 2578 (73 min 45 s)

*** $$$

Il y a deux ans, le même ensemble et le violoniste montréalais Da Costa avaient donné une interprétation des plus intéressantes du Concerto pour violon de Luis de Freitas Branco. Le présent enregistrement de la Symphonie no 2 en si bémol mineur (1926) ne se situe pas à la même hauteur. L'oeuvre se laisse écouter, mais elle fourmille de réminiscences de l'idiome symphonique post-romantique (Brahms, Tchaïkovski, Sibelius...) qui dénotent plus de savoir-faire que d'originalité. Le meilleur moment est sans doute le troisième mouvement, une sorte de scherzo délicatement orchestré, mais la coda du dernier mouvement sombre dans le pompiérisme. À quoi il faut ajouter que l'orchestre sonne bien mollement tout au long. Quant au Concerto (1948) de Armando José Fernandes, sans charme ni intérêt, on se demande s'il était nécessaire de l'exhumer tant le prosaïsme de l'écriture et le statisme sont patents. Da Costa lui-même ne semble pas trop y croire, le chef non plus.

-Alexandre Lazaridès

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Thursday, 24 January 2008

Today's Musician Birthday: January 24

Born on January 24:

1919 - Leon Kirchner, Brooklyn NY, opera composer (Lily)

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Met Cancels Opera Pay-Per-View On-Demand

Call it a rare miscalculation for Metropolitan Opera General Manager Peter Gelb, who didn't count on the outcry from the movie theatres who were showing the Met's highly successful live in HD. According to a story in the New York Times, the Met has cancelled its on-demand pay-per-view telecasts for the season citing concerns that the 30-day delay was not long enough.

"There was this real outcry from the movie theaters," said Peter Gelb, the Met's general manager. "We were not aware they were going to feel this way until we announced we were doing this." He added: "We are not a movie. We're a live transmission."

Under agreements with major Hollywood studios movies usually take much longer to reach on-demand services. Mr. Gelb said the theater operators might have worried about alienating the studios by allowing a shorter lag. He said he hoped to start the on-demand showings next season, for which the schedule of opera transmissions has not yet been made.

> Metropolitan Opera Live in HD
> Stories about HD Opera


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Wednesday, 23 January 2008

Viva Villazón!

Best of Rolando Villazón (CD; 57 m 30 s)
Live in
Prague - Concert from Smetana Hall (DVD; 51 m)
Virgin Classics 504762-20

***** $$$

If you are new to the art of Mexican tenor Rolando Villazón, this combination CD-DVD set is the one to buy. The CD contains selections from all the recital discs he made when under contract to EMI/Virgin Classics. While the 35-year-old singer is still very much in his vocal prime, his hectic schedule and a tendency to give unstintingly have taken a toll on his voice, at least temporarily. A certain unreliability has crept into his singing, resulting in a 6-month hiatus in the latter part of 2007. (He resumed performing this January, as Werther at the Vienna State Opera, to cautiously good reviews). His Virgin Classics output dates from 2004-6, when his voice was in pristine shape. His Italian opera arias disc - my personal favourite - was recorded in 2004 with the late Marcello Viotti. Everything is sung with gorgeous tone, rock-solid technique and his trademark sense of drama. His ingratiating, darkish timbre recalls a young Plácido Domingo; his liberal use of mezza voce is an unalloyed pleasure. Also in this potpourri is the French album from a year later with Evelino Pidò, and a marvellous third disc of mixed repertoire under the baton of Michel Plasson. Everything has been previously issued except for "Donna non vidi mai" from Manon Lescaut, the Puccini Des Grieux role he has yet to sing onstage.

However beautiful Villazón's voice is, a substantial part of his magic is visual. A charming and irrepressible personality onstage and off, Villazón exudes an unbridled joy of singing that is infectious. You can get a glimpse of it in the concert from Prague, taped in November 2005. It was a relatively short concert of ten arias, all your usual chestnuts. In thrilling voice, he gave his all vocally and dramatically. He even took the trouble to learn a few words in Czech and had the local audience eating out of his hand. Let's hope he has completely recovered from what ailed him for the past year or so, as a tenor of his stature is hard to find. Highly recommended!

-Joseph K. So

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Handel Water Music

Les Violons du Roy
Bernard Labadie, dir.

ATMA Classique
ACD2 2569
******
$$

Les trois suites pour orchestre qui composent la Water Music de George Frideric Handel font partie de ces pièces qui, par le génie de leur construction et l'énergie irrésistible qui s'en dégage, connaissent une popularité qui ne s'est jamais essoufflée depuis sa création. La quantité énorme de versions endisquées en fait foi. On en trouve de toutes les sortes et pour tous les goûts : instruments d'époque ou modernes, grand ensemble ou orchestre de chambre, esthétique baroque ou romantique, etc.

Handel, nouvellement arrivé en Angleterre, reçoit en 1717 une commande particulière : on lui demande de la musique festive, devant être jouée sur la Tamise à l'occasion d'un trajet nocturne du roi George 1er entre Whitehall et Chelsea. Le compositeur concocte alors un amalgame de pièces nouvelles et anciennes, qu'il groupe en trois suites de tonalités différentes; elles constituent de bons exemples de suite pour orchestre, genre dont la forme n'était pas fixée à l'époque. On y trouve une ouverture d'inspiration française, diverses danses et des mouvements lents. Handel fait appel, en plus des cordes, à des instruments à vent pouvant être entendus à grande distance, notamment des hautbois, des cors et des trompettes. Des comptes rendus de l'époque indiquent que le roi a tellement aimé l'oeuvre qu'il demanda aux musiciens de la rejouer entièrement deux autres fois le même soir !

Cette version des fameuses suites de la Water Music s'avère, un véritable coup de coeur dès les premières secondes d'écoute. Pour cette nouvelle collaboration entre les Violons du Roy et Atma classique, l'ensemble de Québec revient au répertoire baroque qui est sa spécialité. Les Violons, en alliant une interprétation stylistiquement rigoureuse à la perfection de son des instruments modernes, parviennent encore une fois à des sommets d'inspiration et de vitalité. Son ensemble a beau être relativement restreint (28 musiciens), Labadie en tire une fougue absolument incroyable ! Les bois nous offrent des solos inspirés, les cuivres sont retentissants, les cordes nerveuses et inspirées. Voici certainement un ensemble dont la capitale peut être fière. Cet enregistrement, qui propose également deux extraits de l'oratorio Solomon, est le tout premier réalisé dans la nouvelle salle Raoul-Jobin du Palais-Montcalm, un lieu à l'acoustique vivante qui convient parfaitement à cette musique composée pour les grands espaces.

-Louis-Pierre Bergeron

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Today's Musician Birthday: January 23

Born on January 23:

1752 - Muzio Clementi, Italian composer

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Tango Notturno

Isabel Bayrakdarian, soprano, Serouj Kradjian, piano; Fabian Carbone, bandoneon; Marie Berard, violin; Roman Borys, cello; Roberto Occhipinti, bass; Shalom Bard, clarinet; Daiel Bolshoy, guitar; Levon Ichkhanian, oud
CBC Records MVCD 1176 (70 m 15 s)
***** $$$

Arguably more than any other musical genre, the tango epitomizes romance - or should I say desire - in all its varieties. Though Latin in origin, tango is really an international genre, as this CD amply demonstrates. Prominently featured are of course the magical pieces by the famous Argentinean tango masters Carlos Gardel and Astor Piazolla. But equally important are the works by Danish, German, Egyptian and Armenian composers featured on this disc. In fact, one of the most popular of all tango melodies, "Jalousie", was written by Jacob Gade, a Dane; and the more adventurous minded should seek out a highly enjoyable disc sung by, of all people, the great basso profundo Matti Salminen in a delicious selections of Finnish tango music!

This new disc from CBC Records stars soprano Isabel Bayrakdarian. Her affinity to the Latin genre is well known, witness her Azulao disc on CBC, and in particular her lovely interpretation of Villas-Lobos' Bachianas brasileiras No. 5. While her lyric instrument is a departure from what one is used to hearing in these sultry songs, Bayrakdarian's stylish singing here is a marvel. She combines a beautiful voice, solid technique, innate musicality, not to mention immaculate diction and great attention to textual nuance. A true vocal chameleon, one is struck by the variety of timbres and accents she employs, from an innocently girlish sound in some of the pieces to a highly dramatic and world-weary timbre in Piazolla's "Rinacerò", the last selection on the disc. She is beautifully supported by the Tango Ensemble on this recording, led by the collaborative piano of Bayrakdarian's husband, Serouj Kradjian, an accomplished pianist in his own right. Playing no small part is the idiomatic bandoneón of Fabián Carbone. Also deserving of mention is Canadian Opera Company concertmaster Marie Bérard, for her lovely violin solo in "Jalousie". Kudos to the CBC engineers for a most atmospheric recording, a few overdone reverbs notwithstanding. On balance, this disc has my vote as the best "World Music" album by a Canadian classical artist in 2007.

-Joseph K. So

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Franz Schubert : Die Winterreise (version de chambre de Normand Forget)

Pentaèdre, Christoph Prégardien, ténor et Joseph Petric, accordéon
ATMA classique
ACD2 2546
*****
$$$

On considère souvent Die Winterreise comme étant la quintessence du cycle de lieder; une quantité innombrable de ténors et de barytons ont gravé leur interprétation, notamment Dieter Fischer-Dieskau, Peter Pears et, plus récemment, Ian Bostridge.

Le Voyage d'hiver est une des dernières oeuvres de Schubert. Écrite en 1827 au moment où il sent avec désespoir sa santé décliner, le compositeur y exprime ses plus sombres pensées sur l'amour impossible et la fatalité de la mort. La lecture d'un recueil de poèmes de son contemporain Wilhelm Müller l'interpelle profondément. Müller y raconte, en 24 tableaux, l'histoire d'un jeune homme qui, abandonné à la suite d'un échec amoureux, se lance dans un voyage sans retour à travers la campagne gelée. Schubert venait de trouver un souffle avec lequel il pourrait sublimer ses pensées lugubres et atteindre de nouveaux niveaux d'émotion, de profondeur.

La présente version, pour voix d'homme accompagnée d'un quintette à vents et d'un accordéon, est exceptionnelle à tous points de vue. Normand Forget, le hautboïste de Pentaèdre, a préparé un arrangement raffiné qui non seulement remplace la partie de piano originale, mais la pousse plus loin en colorant les atmosphères. La partition fait appel à des instruments secondaires (piccolo, hautbois d'amour, clarinette basse, etc.). Le quintette se transforme même en choeur sans paroles pour un des lieder ! Notons que Forget a gardé l'ordre initial des poèmes et non celui du cycle de Schubert.

Avec cet enregistrement, le ténor allemand Christoph Prégardien confirme sa place parmi les grands chanteurs de lieder actuels; sa voix, dont on ne perd pas un seul mot, est tour à tour plaintive, puissante et rêveuse, toujours ronde et contrôlée à l'aigu comme au grave. L'inspiration est continue et la complicité avec Pentaèdre, palpable. Le quintette à vents, complété du formidable accordéon de Joseph Petric, produit un accompagnement d'une extrême beauté.

Pentaèdre, un peu à la manière du Kronos Quartet, réussit à se renouveler constamment; la formation transcende le genre du quintette à vents. Avec quel nouveau projet va-t-il nous surprendre ?

-Louis-Pierre Bergeron

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Domenico Cimarosa Ouvertures, vol. 2

Toronto Chamber Orchestra
Kevin Mallon, dir.

Naxos
8.570279 (67 min 55 s)
****** $

Dès quelque 65 opéras que Cimarosa (1749-1801) a composés, seulement un ou deux se maintiennent aux confins du répertoire. Pourtant, chaque fois qu'on a l'excellente idée de tirer de l'oubli un de ses autres ouvrages, instrumental ou vocal, le résultat est toujours heureux, comme en témoigne avec abondance une discographie de plus en plus fournie et constituée en bonne partie d'intégrales d'opéras, opere serie et surtout opere buffe. C'est par ce biais que l'on connaissait déjà plusieurs des ouvertures (L'Italiana a Londra, L'Armida immaginaria, etc.) qui composent le programme de ce CD, les autres étant, sauf erreur, des premières parutions au disque. La plupart de ces partitions sont exécutées ici d'après les éditions critiques récentes réalisées par le musicologue néo-zélandais Allan Badley (cosignataire des notes d'accompagnement) et publiées par la firme italienne Artaria. Cimarosa s'y révèle sinon un génie, du moins un très grand maître en pleine possession de tous les moyens de son art et dont le style noble et élégant, très proche de celui de Mozart - moments d'extase et zones d'ombre en moins - se caractérise par une inventivité et un raffinement mélodiques et orchestraux hors du commun, même au siècle des Lumières. C'est donc avec impatience que l'on attendra la suite de cette magnifique série !

-Pierre Marc Bellemare

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Le barbier de Séville en CD et DVD : Repères discographiques

Reconnu comme un chef-d'oeuvre depuis sa première et demeuré immensément populaire par la suite, Le Barbier de Séville a été enregistré à maintes reprises, depuis l'époque du 78 tours. Parmi ces enregistrements, dont plusieurs ont quelque chose de spécial à offrir, il en est un qui n'a jamais cessé de faire la liste des incontournables depuis sa sortie, aux premiers jours de la stéréophonie. Il s'agit de l'enregistrement Angel-EMI (1957 - EMI 56310) dirigé par Alceo Galliera et mettant en vedette Maria Callas en Rosine et Tito Gobbi en Figaro, épaulés par Luigi Alva (Almaviva), Niccola Zaccaria (Basilio) et Fritz Ollendorff (Bartolo).

Au plan textuel, c'est un Barbier très arrangé, avec d'assez nombreuses coupures et divers ajouts et modifications dont l'adaptation du rôle de Rosine aux contours de l'instrument vocal si particulier de Mme Callas. D'un autre côté, l'esprit d'équipe des membres de la distribution atteint un niveau de complicité rare, même sur scène, et qui génère un entrain irrésistible. Chaque rôle y trouve son interprète idéal et tous les chanteurs sont très drôles, sans toutefois jamais compromettre le style ou le bon goût.


Si vous n'êtes pas un admirateur de Callas, vous préférerez sans doute la version Abbado (1972) sur Deutsche Grammophon, un autre enregisrement studio qui jouit d'un prestige presque aussi grand et qui domine aussi la discographie DVD car il existe également en vidéo. Cet enregistrement qui, 35 ans après, demeure disponible dans les deux médias (vidéo : 000427909; audio 457733) à des prix très avantageux, met en vedette Teresa Berganza (Rosine), Hermann Prey (Figaro), Luigi Alva (encore !) en Almaviva, Paolo Montarsolo (Basilio) et Enzo Dara (Bartolo) - une distribution très solide, en dépit de faiblesses mineures. Berganza est aussi délicieusement malicieuse à sa façon que l'était Callas et elle présente l'avantage comparatif d'être une véritable mezzo (et quelle mezzo !), tandis qu'Enzo Dara se classe d'emblée dans l'élite des clowns chantants qui, au fil des ans, se sont illustrés dans le rôle de Bartolo. Par contre, le Figaro d'Hermann Prey est un peu trop posé, trop classique, pour ne pas dire mozartien.

Quant à la version DVD, qui relève de l'opéra filmé, on l'aimera un peu, plutôt, beaucoup, ou énormément, selon sa réaction à l'humour visuel du metteur en scène Jean-Pierre Ponnelle. Celui-ci est très, très inventif, même un peu trop au goût de certains, notamment dans le finale du premier acte, où la farce tend à l'emporter sur la comédie.

Le nombre de versions DVD du Barbier actuellement disponibles ou qui l'étaient encore récemment frise la douzaine, dont une production scénique de Dario Fo (Image Entertainment, épuisé) qui déroutera les uns et charmera les autres, une vieille production télévisuelle en allemand avec Wunderlich en Almaviva et...Hans Hotter en Basilio (Deutsche Grammophon, 000577509), un écho du Festival de Glyndebourne de 1982, où la jeune Maria Ewing triomphe en fausse ingénue (Kultur, 2101), et plusieurs autres, dont aucune, cependant, ne parvient à remettre en question l'hégémonie, pourtant souvent contestée, de la version Abbado/Ponnelle.

-Pierre Marc Bellemare

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Wilhelm Friedemann Bach - Oeuvres pour clavier, vol. 1


Robert Hill, fortepiano

Naxos 8.556966 (64 min 21 s)
****** $

Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), l'aîné des fils du grand Jean-Sébastien, était un singulier personnage dont la vie personnelle et la carrière professionnelle furent un désastre, une interminable descente dans l'alcoolisme et la misère. Quant à sa production artistique, aux antipodes de celle de son père, elle est l'oeuvre d'un génie, rebelle à toute règle. C'est une musique étrange qui, par (d'assez) longs moments, donne l'impression d'avoir été composée un siècle, voire deux, après l'époque où a vécu le musicien. Les plus fascinantes de ces partitions sont celles qu'il a écrites pour les claviers, car ceux-ci lui permettaient de s'exprimer, en toute liberté, à travers des formes qui n'en étaient guère, comme la polonaise ou la fantaisie. Ce corpus des oeuvres pour clavier fait ici l'objet d'une interprétation qui, avec la parution d'une intégrale proposée, pourrait s'avérer définitive. Robert Hill, qui signe aussi des notes d'accompagnement très éclairantes, interprète cette musique (les 12 Polonaises, F.12, la Sonate en ré majeur, F.3 et la Fantaisie en la mineur, F.23) exactement comme elle doit être jouée, « avec authenticité », sans forcer la note muséologique ni verser dans le romantisme ou le post-romantisme, mais comme une musique qui, en un certain sens, est intemporelle.

-Pierre Marc Bellemare

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Tuesday, 22 January 2008

Today's Musician Birthday: January 22

Born on January 22:

1897 - Rosa Ponselle, soprano

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Article in La Scena Musicale

Rosa Ponselle singing the famous Habanera from Bizet's Carmen:

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Saint-Saëns: Piano Concertos 2 & 5

Jean-Yves Thibaudet, piano
l'Orchestre de la Suisse romande
Charles Dutoit, dir.

Decca 475 8764 (66 min 25 s)

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Le jeu épidermique, plus brillant que profond, qui caractérise autant le chef Dutoit que le pianiste Thibaudet et qui convient à une certaine musique française de la seconde moitié du XIXe siècle, fait merveille dans le Deuxième et le Cinquième Concertos de Saint-Saëns. C'est un piano bondissant et cabriolant que l'on entend ici. Les difficultés dont sont parsemées les deux partitions sont surmontées avec un brio digital étonnant par Thibaudet, et l'Orchestre de la Suisse romande, fouetté par Dutoit, participe de la fête sonore. Le Deuxième Concerto, enlevé de bout en bout, et dont le troisième mouvement est particulièrement électrisant, convainc cependant plus que le Cinquième dont l'Andante semble un peu statique. Données en supplément et placées entre les deux compositions de Saint-Saëns, les Variations symphoniques de Franck ne trouvent pas l'atmosphère de recueillement nécessaire. Les phrasés gémissants du pianiste ne peuvent être tenus pour un signe de gravité et les quatre dernières minutes de l'oeuvre, aux temps beaucoup trop appuyés à l'orchestre, ressemblent à une faute de goût. Prise de son aérée et généreuse.

-Alexandre Lazaridès

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Miklós Rózsa: Music for Violin and Piano


Philippe Quint, violon ; William Wolfram, piano
Naxos 8.570190 (60 min 31 s)

Il est regrettable que le nom du compositeur hongrois Miklós Rózsa ne soit resté célèbre que pour ses contributions au cinéma, que ce soit pour Ben Hur ou pour les films d'Hitchcock.

Il faut reconnaître à Naxos le mérite de permettre au grand public de (re)découvrir sa musique symphonique : Klaus Heymann produit ainsi en 2007 à la fois le Concerto et la Sinfonia Concertante pour violon, avec Anastacia Khitruk, et un fantastique album de pièces pour violon et piano.

Philippe Quint, accompagné par William Wolfram, donne à cet ensemble de pièces peu connues une dynamique et une chaleur exceptionnelles, que ce soit dans les oeuvres de jeunesse du compositeur, comme le Duo op. 7 de 1931, ou les Variations sur une chanson paysanne hongroise, op. 41, de 1929. On y retrouve l'influence du folklore d'Europe centrale, des mélodies hongroises, que Rózsa incorpore à son propre langage musical, hérité de ses maîtres Bartók et surtout Kodály. Philippe Quint tire de son Stradivarius ex-Kiesewietter une pureté de son dans les aigus et une chaleur dans les graves incomparables; afin d'exprimer pleinement le caractère « typique » de ces pièces, il a convoqué une articulation claire, rapide et précise, une technique parfaite de la main gauche et un jeu d'archet absolument stupéfiant, autant en dynamisme et qu'en phrasé. La preuve en est donnée dans les Chansons et danses des paysans du nord de la Hongrie, op. 5 : quelle énergie, quelle concentration, et quelle chaleur dans le jeu de Philippe Quint ! Il ne faudrait surtout pas sous-estimer le travail remarquable et l'accompagnement tout en nuances et en compréhension du formidable pianiste William Wolfram.

La « perle » de cet album, à recommander absolument et sans aucune réserve, demeure cependant la Sonate pour Violon seul, datant de 1986. Oeuvre de maturité, passant du rire aux larmes, de la sobriété au bonheur frénétique, elle trouve en Philippe Quint un interprète parfait : sûreté de l'intonation, pureté du son et de l'équilibre, au service d'une interprétation passionnée, convaincue et convaincante...Philippe Quint : retenez ce nom !

-Audrey Roncigli

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Bach : Les suites pour violoncelle seul

Jean-Guihen Queyras, sur violoncelle Gioffredo Cappa, 1696
Harmonia Mundi
901970.71
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Le violoncelliste Jean-Guihen Queyras a interprété les suites de Bach pendant vingt-neuf ans avant de les enregistrer. Il s'en est imprégné, elles sont devenues une part de lui et il nous les livre avec beaucoup d'enthousiasme et de vitalité. C'est avec une grande humilité devant l'oeuvre grandiose de Bach qu'il nous découvre son âme grâce aussi à son violoncelle Gioffredo Cappa de 1696, dans ce magnifique coffret de deux CD et un DVD.

Comme toujours chez Harmonia Mundi, nous avons ici un produit de grande qualité, autant par la perfection de l'enregistrement que la sobriété de la pochette et surtout la virtuosité de l'interprète, ce qui procure au mélomane un réel plaisir d'écoute.

Le visionnement du DVD de la suite numéro 3 est d'un égal bonheur, car il permet d'apprécier les qualités d'interprétation de Queyras et de vibrer avec lui dans cette même énergie qui se dégage de la musique de Bach.

-Francine Bélanger

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Donizetti: L'Elisir d'Amore

Chor und Orchester der Wiener Staatsoper; Alfred Eschwé, dir.
Anna Netrebko, Rolando Villazón, Leo Nucci, Ildebrando D'Arcangelo
Otto Schenk, production, Karina Fibich, réalisation

Virgin Classics 00946 363352 9 (DVD: 130 min)

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Captée sur le vif en avril 2005, cette production de l'Élixir d'amour est enlevante dans l'ensemble, mais brille surtout par la présence du couple qui nous a déjà donné une inoubliable Traviata. Anna Netrebko incarne une Adina mutine et fraîche qui sait néanmoins, le moment venu, montrer la sincérité de ses sentiments amoureux. La voix est belle et le jeu toujours nuancé prouve qu'il s'agit là d'une véritable cantatrice. Rolando Villazón démontre des qualités de comique, mais peut-être en fait-il trop par moments sans y croire; la candeur de son Nemorino ressemble à la longue à de la stupidité; on s'étonne alors que l'intelligente Adina puisse s'éprendre d'un tel benêt de village. Le charlatan Dulcamara est rendu par un D'Arcangelo en grande forme : son duo endiablé du deuxième acte avec Adina est l'un des meilleurs moments de la production. Seul le vétéran Leo Nucci (Belcore) semble en retrait autant par la voix que par une interprétation quelque peu guindée malgré une présence scénique indéniable. Le décor réaliste et les costumes dans les teintes pastel évoquent une contrée lumineuse et sans drame; orchestre et chef sont à l'écoute des chanteurs. Une réserve : la prise de son est lointaine dans plusieurs solos, y compris Una furtiva lagrima que Villazón a dû bisser.

-Alexandre Lazaridès

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Monday, 21 January 2008

Songs of Samuel Barber

Gerald Finley, baritone; Julius Drake, piano; The Aronowitz Ensemble
Hermit Songs, Op. 29; Mélodies passagères Op. 27; Dover Beach Op. 3; and others
Hyperion CDA67528

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Following the critically acclaimed disc of Charles Ives songs, baritone Gerald Finley and pianist Julius Drake teamed up for this album of Samuel Barber songs. It reaffirms their position as a great singer-pianist duo. Finley has a beautiful instrument, backed by solid technique, dramatic commitment, and superb musicianship. He is perfectly suited to these songs. A great melodist and unabashedly romantic, Barber's way with a melody bears a strong kinship to fellow American Ned Rorem, and to Giancarlo Menotti, with whom Barber had a lifelong professional and personal relationship. At a time when others rushed to serialism, Barber stuck to a lushly lyrical style deemed to be regressive and old-fashioned. It is thus ironic that his contemporaries, having flirted with atonality, reverted back to a more traditional style. Sadly, Barber, who died in 1981, didn't live long enough to witness the pendulum swinging back his way.

This disc contains 27 of Barber's best output, including Hermit Songs and Dover Beach, two of this three best song cycles. It's a pity that the third, Knoxville, Summer 1915, isn't included. Commissioned by Eleanor Steber, Knoxville is sung by a soprano and very occasionally by a boy treble. For once, I would love to hear a mature male voice in this! While Barber did not specify a voice type for Hermit Songs, it will forever be associated with the great Leontyne Price, who premiered it with the composer at the keyboard, and subsequently recorded it for RCA. It is refreshing to hear a baritone in this piece. Set to translations of Medieval Gaelic poems attributed to Irish monks, it has a disarming simplicity. Barber composed Dover Beach and sang the cycle himself on its first recording in 1935. Barber's skill and sophistication in the setting of this highly dramatic cycle on the loss of religious faith at the tender age of twenty is quite something. The composer dedicated Mélodies passagères Op. 27 to Pierre Bernac and Francis Poulenc. Composed in a distinctly French manner and derivative in style, it is as if Barber were deliberately imitating Poulenc. Finley sings beautifully throughout. His English is crystal clear, and his attention to textual details exemplary. Julius Drake is at the top of his game, offering excellent support. The recorded sound is warm and mellow. The beautifully produced booklet, with the trademark landscape oil painting on the cover, contains an essay, artist bios and song texts, except for the James Joyce items. Hyperion claims it is for copyright reasons, but it is probably because the Joyce Estate demanded money. This disc is a strong contender as the best vocal recital by a Canadian artist.

-Joseph K. So

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Couperin : Pièces de clavecin


Pierre Hantaï, clavecin
Mirare MIR 027

65 min 49 s

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Applaudi pour ses interprétations de Bach et de Scarlatti, Pierre Hantaï n'avait à ce jour jamais enregistré de musique française en soliste. Il a néanmoins longtemps mûri ce répertoire, notamment en concert, si bien que le disque de François Couperin qu'il offre ici se classe d'emblée parmi les meilleurs. Le secret tient d'abord au choix de l'instrument : un clavecin lyonnais du dix-huitième siècle dont ne subsistait que la caisse et la table d'harmonie, et qui a repris vie récemment grâce à un travail poussé de restauration. Exploitant pleinement ce médium idéal, Pierre Hantaï nous mène de surprise en surprise, sans pourtant forcer le trait. Au contraire, il traite la partition avec sérieux et noblesse et c'est de cette lecture attentive que naît l'émotion. Derrière des titres un peu désuets, qui semblent annoncer de naïfs tableautins, se cachent en effet des pièces au climat souvent trouble : voyez l'élégance rêveuse de la Flore, l'extraordinaire nervosité de l'Anguille ou encore la poignante mélancolie des Vieux Seigneurs, sarabande grave dont les arpèges dissonants se réfugient avec nostalgie dans l'aigu. Pierre Hantaï refuse les intégrales, qui lui semblent fastidieuses, mais proposera semble-t-il un second florilège Couperin, qu'on attend avec joie.

-Philippe Gervais

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Carestini: The Story of a Castrato


Philippe Jaroussky, haute-contre; Le Concert d'Astrée; Emmanuelle Haïm, dir.
Oeuvres de Porpora, Handel, Leo, Hasse, Gluck, Graun

Virgin 00946 3 95242 2 8
(72 min 06 s)
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Carestini fut un des castrats les plus appréciés de son temps, rivalisant avec Farinelli et parcourant l'Europe pendant près de trente ans, au service des meilleurs compositeurs. En vue de retracer la carrière de celui dont tous admiraient « les grandes et singulières dispositions », le haute-contre français Philippe Jaroussky a pensé offrir un choix de douze arias, inédits pour la plupart. À ses débuts, Carestini évoluait dans le registre de mezzo : l'Ariodante de Haendel, c'était lui, et bien que ce rôle soit aujourd'hui repris par des femmes, il ne pose aucune difficulté pour Jaroussky, doté d'aigus très faciles, comme on le voit aussi dans le brillant air de Porpora qui ouvre ce disque. Plus tard, la voix de Carestini se changea en un puissant contralto : c'est alors que Graun lui confia le rôle-titre de son Orfeo, oeuvre méconnue dont Jaroussky nous offre deux extraits, où il use avec beaucoup de goût de son registre de poitrine pour rendre les notes graves. L'orchestre du Concert d'Astrée pourra sembler ici un peu en retrait, mais qu'importe ! Philippe Jaroussky est un jeune chanteur comme il s'en trouve peu. Il est de ceux qui captent instantanément l'attention par leur audace et leur présence, et dont on sait déjà qu'on voudra collectionner tous les disques.

-Philippe Gervais

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Bruckner 7

Chicago Symphony Orchestra; Bernard Haitink, dir.
CSO-Resound CSOR 901 706 (67 min 31 s)

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Au sommet de son art, Bernard Haitink livre ici une exécution imposante, d'une maîtrise toute en retenue, de la monumentale Septième Symphonie de Bruckner. La séparation des voix fait ressortir un travail de contrepoint généralement perdu ou sous-estimé ailleurs; cela ressemble par moments à de la musique de chambre, ce qui est inattendu quand il s'agit de l'orchestration si particulière du maître de Saint-Florian. Le premier mouvement est d'une ampleur pour ainsi dire liturgique; le chef prend le temps de respirer, et pourtant la ligne d'ensemble n'est jamais ignorée; la dynamique est constamment contenue, sans effets inutiles. Le deuxième mouvement souffre quelque peu de ce traitement élargi et paraît trop morcelé, même si le jeu demeure constamment beau. Dans le Scherzo, les célèbres cuivres de l'orchestre de Chicago s'en donnent à coeur joie, quoique leur exaltation, bien mise en relief par la prise de son, semble plutôt écrasante pour les cordes. Le dernier mouvement, dont la qualité d'écriture ne vaut pas les mouvements précédents, est traité en douceur et renoue avec l'atmosphère du premier mouvement. Une version qui mérite certainement l'attention des brucknériens.

- Alexandre Lazaridès

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Today's Musician Birthday: January 21

Born on January 21:

1941 - Plácido Domingo, Madrid Spain, opera tenor

Wiki entry
Official website

Nessun Dorma - Plácido Domingo - Turandot - Puccini:

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Today's Musician Birthday: January 20

Born on January 20:

1894 - Walter Piston, American composer and theorist.

Wiki entry

University of Akron student flute/clarinet/bassoon wind trio playing Walter Piston's Three Pieces, movement 3. Allegro.

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Sunday, 20 January 2008

Luisa Fernanda with Placido Domingo at the Movies


Opera fans are enjoying an embarrassment of riches these days. Since last season, the Metropolitan Opera in New York has been bringing its best productions live to selected movie theatres in the U.S., Canada, Europe, and on a delayed basis to Australia and Japan. The huge media attention and sold out houses at every showing amply demonstrated that there is an audience out there hungry for the opportunity to see live opera for a fraction of the cost of actually travelling to New York and paying big bucks for tickets. Despite being thousands of miles away from the Met, opera fans treat the events as "real occasions". And the older demographics of an opera audience is unusual - you won't find a quieter, more attentive or appreciative bunch. Unlike a typical teenage movie audience, opera folks have the money to buy more upscale foods, they aren't rambunctious, don't make a mess, don't chat incessantly or make noise, except to applaud the artists on the screen. For the opera companies and the movie theatres, it's a win-win situation.

With the enormous success experienced by the Met, other opera companies are jumping on the bandwagon. The venerable La Scala showed its opening night Tristan und Isolde at selected movie houses in Europe and the US; Opera Australia and San Francisco Opera are also experimenting with non-satellite digital transmissions on a delayed basis. But so far none of these are coming to Canada - with one exception. Teatro Real of Madrid, an "A" house in Europe, has been showing its products through a partnership of Opus Arte and Digiscreen in the Empire Theatre chain and four independent repertory theatres in Canada with little fanfare. I knew nothing about it until my publisher called to see if I could write a review. A quick e-mail secured two media passes to yesterday's performance of Luisa Fernanda, a zarzuela starring megastar Placido Domingo. It was showing at the Empress Walk 10 of the Empire Theatres chain in North York. It is a short stroll north from the Sheppard Grande, where the Met has been showing its operas. Compared to the Sheppard Centre, Empress Walk is newer, better maintained, nicely designed with plenty of concession choices for those who want to grab a bite or a drink. The cinemas are immaculately maintained, and the staff offering friendly and efficient service. There was even a washroom attendant at the door - I give the theatre chain an "A" for effort!

Fearing it would be another sold out event, I decided to show up an hour early to secure a good seat. I needn't have worried. Shockingly, the single cinema showing the opera was practically deserted, even with Placido Domingo on the playbill. The Met experiment has demonstrated that there IS an audience for opera at the movies. True - fans are always attracted to a live event, and the Teatro Real productions are "canned". And zarzuela isn't a particularly big draw in Canada since we don't have a large Hispanic population. Still, if the product is good, the fans will come out. It is clear that Empire Theatres have a great deal of work to do in the publicity department. There was no mention of this in the local newspapers that I could find. I did an informal survey of my many opera friends. Except for the three friends that actually showed up yesterday, none of my other friends were aware of this event. But then, neither was I two days ago!

I have to admit my knowledge of zarzuelas is limited, except to say that it is Spanish and folksy, highly romantic, full of pretty tunes and colourful costumes. The story of Luisa Fernanda is your typical love triangle, with tuneul, rather uncomplicated harmonies and orchestration. The piece is also short - even with a 20 minute intermission, the show was over in about two hours. According to a friend who was recently in Madrid, "local" zarzuelas don't always have the best singers, but with the great Domingo in this show, you can't do better than this! Afterall, he sang as a kid in a zarzuela company in Mexico ran by his parents! As Vidal Fernando, Domingo sang with his trademark burnished tone. Despite looking a tad mature, he could still conjure up the image of an aging romantic hero, in the vein of a Don Quixote. Opposite him was the excellent Luisa of Nancy Fabiola Herrera. This Canarian-born, American-trained mezzo is currently at the Met singing Carmen. Rounding out the cast is Spanish tenor Jose Bros. A high tenor in the tradition of a Juan Diego Florez, Bros looked a bit young to be the Colonel Javier Moreno, but his clarion tenor was a pleasure. If the musical values were high, the production itself was strictly budget-wise. The battle scene was reduced to a few silhouettes projected onto the backdrop, and until the last act, the only props onstage were two dozen white chairs, and a tiny wooden model of the city of Madrid sitting on the side! A saving grace was the conducting of the highly experienced Jesus Lopez-Cobos. The picture quality in this HD moviecast is better than the Met's satellite transmission - no glitches and the sound is better. I spoke to almost everyone at the cinema, and they all enjoyed it. So it is a shame that so few people turned out. With more publicity, I am sure opera fans will show up. I think it is important for opera lovers to show up to these events, to show our support. When the next show is announced, I'll be sure to mention it in this blog. Stay tuned!

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